LA MÚSICA PARA TECLADO:LA SONATA CLÁSICA


Durante el último cuarto del siglo XVIII, el clavecín fue desplazado por el piano forte, que llegó a tener 6 octavas. Los compositores ya creaban sus piezas para pianoforte, pero aun asi eran muchos los que solo disponían del antiguo clavecín, esto explica la ambiguedad de los títulos  de estas piezas que permiten ambas posibilidades de ejecución: La Sonata patética de Beethoven, con la mención expresa "para pianoforte y clavecín". Tanto Hayden como Mozart y Beethoven, crearon para pianoforte sonatas, fantasías y danzas diversas.

En sus obras para teclado, los tres músicos citados fueron eliminando las fórmulas tradicionales de acompañamiento, como el bajo Alberti.
También utilizaron el ámbito de la exprsión, los mismos procedimientos:
          - Uso del tenuto (o vibrato).
          - Búsqueda de la fluided del discurso a través de anotaciones que rean un efecto de tempo rubato (perdendossi, calando, ritardando, sempre, più, largo, a piacere...)
          - Ampliación del discurso musical, aprovechando las mejoras en los instrumentos de teclado. Empleo progresivo de octavas, stacatti...
          - Uso del pedal de ligado
          - Utilización de diferentes dinámicas en cada mano

No es de extrañar que la mayor expresividad del pianoforte, en comparción con el clavecín, hiciera que los músicos se decantaran por este instrumento.

La invención del piano moderno se atribuye a Bartolomeo Cristofori, de Padua, perteneciente por aquel entonces a la República de Venecia(Italia), que fue contratado por el príncipe Fernando II de Médici como conservador de instrumentos. Fue un experto fabricante de clavicémbalos y fue así como pudo familiarizarse con las técnicas de fabricación de instrumentos de cuerda con teclado. Se desconoce con precisión la fecha en la que del taller de Cristofori en Florencia salió el primer piano, pero en un inventario hecho por sus mecenas, la familia Médici, se indica la existencia de un piano en el año 1700.

LA SONATA CLASICA

Se produce una expansión de la sonata, que aparece en el primer allegro de sinfonía, conciertos, sonatas, y en todas las piezas de música de cámara. Se exponen dos temas opuestos y aparece un movimiento de tensión que se opera a partir del paso de la tónica al tono de la dominante afirmada por varios grupos cadenciales; esta tensión se amplia a través del desarrollo y se resuelve en la vuelta al tono inicial, que queda reafirmado en el momento de la reexposición(ABA); les siguen una serie de cadencias que preparan la feliz conclusión y ayudan a evidenciar la estructura de la obra. 

Después del periodo clásico, la sonata no dejó de desarrollarse con los diferentes estilos que han ido sucediéndole.

FORMAS DE LA SONATA

La exposición

En la exposición, el compositor presenta los temas que usará en la obra. Generalmente tiene dos secciones, la primera en la tonalidad principal, la segunda en la tonalidad de la dominante o - en el caso de tonalidades menores - en el relativo mayor o la dominante. Cada sección puede tener uno o más temas. Los temas pueden ser similares o contrastantes.

Una transición sirve de enlace entre la primera y segunda sección sirviendo para modular a la nueva tonalidad. Desde temprano en el desarrollo de la forma sonata, compositores como Beethoven experimentan con otras tonalidades para la segunda sección.

La exposición termina con una codetta y puede ser precedida de una introducción.

El desarrollo

En esta sección el compositor desarrolla los temas presentados en la exposición. Son comunes las modulaciones frecuentes.

No siempre se desarrollan todos los temas y en ocasiones el compositor puede presentar un nuevo tema (como por ejemplo en la tercera sinfonía de Beethoven).

Reexposición

La reexposición es casi una repetición de la exposición pero con un cambio principal: la segunda sección aparece ahora en la tonalidad principal. A parte de ese cambio, el compositor normalmente hace múltiples variaciones, extendiendo, reduciendo o eliminando secciones, variando la escritura instrumental o la orquestación en el caso de obras orquestales.

El movimiento termina con una coda que en algunos casos se convierte en un segundo desarrollo.

Orquesta en el Barroco

La orquesta barroca (s XVII y principios del XVIII) , a lo largo del siglo XVII empieza a gustar poco a poco la música instrumental, que se independiza de la música vocal. En Italia comienzan a componerse más y más sonatas y conciertos. Fue la época de máximo apogeo de los constructores de instrumentos italianos, los grandes luthiers, como Stradivarius, Amati y Guarnieri.

Precisamente, la orquesta nace en el barroco, en gran parte gracias a la perfeccion técnica que alcanzan los instrumentos de cuerda frotada (violín,violonchelo,viola y contrabajo). Estaba formada básicamente por esta sección y el bajo continuo en el que destacaba el clave. Tmbién había instrumentos de viento madera (flauta, oboe, fagot), viento metal(trompetas y trompas) y de percusión (timbales), en función de cada composición. Una formación media tenía unos 25 músicos.

Audicion orquesta barroca

Instrumentos musicales del barroco

Los instrumentos del Barroco.
La difusión de los instrumentos va ligada a factores sociológicos, a modas. En la Francia del siglo XVII, por ejemplo, la viola, el laúd y el clavecín eran considerados instrumentos nobles, por el contrario, los violines no tenían buena reputación, por lo que se utilizaban como acompañamiento para el baile. En el Barroco había una estrecha relación entre instrumento y clase social.

Ciertos instrumentos vivieron sus últimos momentos de esplendor (laúd, viola de gamba, clavecín), algunos evolucionaron(violín) y nacieron otros nuevos(clarinete, fagot...). La familia de los violines siguió creciendo durante los siglos XVIII-XIX.

Los instrumentos podían reunirse en los conciertos, pero la designación de los solistas no resultaba precisa. El principio imperante durante este periodo fue el intercambio entre instrumentos de la misma tesitura, según los recursos disponibles.
Los instrumentos llamados de alto(altos de viola, violín, oboe, flauta) eran intercambiables entre sí, como también lo eran los bajos melódicos(bajo de viola, violonchelo y fagot).

Algunos de los instrumentos musicales mas destacados del barroco son :

Clave  :

Aparece en Italia alrededor del siglo XIV, como evolución del salterio.Es un instrumento de cuerda pulsada.Este instrumento puede tener hasta tres teclados.Este instrumento presenta un amplio ámbito.


Órgano: Tiene su origen en Grecia,inventado por Ctesibio. El órgano fue conocido por los romanos y se adoptó por la Iglesia como acompañamiento a las ceremonias religiosas en el siglo VII.
Es un instrumento aerófono,que consta de diferentes registros.Puede estar compuesto por uno o varios teclados en los que se toca con las manos,y otro,en la parte  inferior,que consiste en unos pedales.

Violín:Es un instrumento de origen italiano y de cuerda frotada,que consta de 4 cuerdas,es el instrumento más agudo de  la familia de los instrumentos clásicos (viola,violin,violonchelo y contrabajo).Sus cuerdas estaban hechas de tripa.

Viola de gamba: a Es un instrumento de cuerda frotada. Está provisto de trastes y fue muy utilizado en Europa entre finales del siglo XV y las últimas décadas del siglo XVIII. El modelo más extendido tiene seis cuerdas afinadas por cuartas (con una tercera mayor entre las centrales).

Violonchelo:Instrumento de cuerda frotada.Consta de 4 cuerdas (do,sol,re,la).Presenta un registro grave y es un importante componente de la orquesta.

Contrabajo:  Los orígenes del contrabajo se remontan al siglo XVI, época en la que ya existía un instrumento llamado violone del cual parece derivar. Sin embargo, hasta el siglo XVII no adoptó la forma y las características actuales. Pertenece a la familia de la cuerda frotada.Presenta una tesitura  grave y consta de 4 cuerdas.

Arco barroco :

Oboe:

El origen del instrumento conocido en la actualidad por el nombre de oboe se remonta a 3000 a. C. Su nacimiento tuvo lugar posiblemente en las civilizaciones de Mesopotamia, Babilonia e Isin: sumerios, babilonios y asirios. Es un instrumento de viento madera con un registro agudo.

Trompa:  Instrumento de viento metal de carácter muy versátil y abarca una tesitura muy amplia, con pocos pistones. Puede emitir tanto sonidos suaves como ásperos y duros.  Existen recursos técnicos que permiten conseguir efectos tímbricos especiales: sordina, boché, apagador y cuivré.

Trombón :  Tiene  su origen en la barra hueca y los cuernos de los animales.Es un instrumento de viento metal.Su sonido se produce gracias a la vibración de los labios del interprete en la boquilla a partir de la columna de aire.Las diferentes notas se obtienen por el movimiento de un tubo móvil,denominado vara alargando la distancia que el aire en vibración debe recorrer,produciendo de este modo sonidos que también se pueden controlar con una mayor o menor presión del aire soplado por el interprete en la vara.

Trompeta: Las primeras trompetas fueron fabricadas con cuernos de animales cocidos, cañas de bambú, tubos vegetales ahuecados o conchas de moluscos y eran empleadas por los hombres primitivos para diversas cuestiones como eran los entierros, rituales para ahuyentar a los malos espíritus, para la caza o transmitir señales.Es un  instrumento musical de viento, perteneciente a la familia de los instrumentos de viento metal o metales, fabricado en aleación de metal. El sonido se produce gracias a la vibración de los labios del intérprete en la parte denominada boquilla a partir de la columna del aire.

VIDEO DE LOS INSTRUMENTOS DEL BARROCO

Antonio Stradivari y los instrumentos Stradivari

 Fue el más prominente luthier italiano. La forma latina de su apellido, Stradivarius, se utiliza para referirse a sus instrumentos. Su primer violín fue de madera reciclada.

Las características de los instrumentos fabricados en vida de Stradivari pueden resumirse en una estructura más estilizada y en un barniz especial . En realidad, el luthier entendió que el violín emitía sonidos más penetrantes y agradables al oído cuando eran más alargados.

 Todavía no se conoce con precisión cómo pudo un artesano del s. XVII conseguir una madera tan densa. Se apunta a una posible incidencia climática en este fenómeno, propiciando que los árboles fueran más densos para soportar bajas temperaturas. Paralelamente, Stradivari dominaba notablemente el arte de envejecer la madera para conseguir la mejor sonoridad.

Instrumentos Guarnerius

Guarnerius es el nombre dado a los instrumentos de cuerda fabricados por la familia Guarneri de Cremona, Italia. Su miembro más famoso fue Giuseppe Guarneri. quien fabricó el violín usado por Paganini y que actualmente se conserva en el Museo de Génova. Los Guarnerius son aún más raros que los Stradivarius. Sus violines, en comparación con los de Stradivari, tienen un sonido menos espontáneo pero más potente y profundo.Hay pocos datos respecto a Guarneri y familia, ya que en su época sus instrumentos realmente no fueron valorados tal como se hace hoy en día. 

Familia Amati y sus instrumentos

Los Amati fueron una familia de fabricantes de violines italiana originaria de Cremona, que estuvo vigente entre los siglos XVI y XVII.

Andrea Amati fue uno de los primeros fabricantes de violines cuyos instrumentos sobreviven hoy en día. Es uno de los responsables de dar a la familia de la familia del violín moderno su aspecto actual. Su obra esta marcada por una gran elegancia y por un conocimiento de los principios geométricos en el diseño.

Los "Hermanos Amati" (Antonio y Giromalo, hijos de Andrea) implementaron innovaciones de gran calidad en el diseño, incluyendo la perforación de las efes. Se cree que han sido pioneros en el formato moderno de la viola.

Nicolo Amati es considerado el más eminente luthier de la familia. Hizo importantes contribuciones a la historia del violín, tanto en la fabricación como en la enseñanza. Al no tener hijos, sus discipulos eran de otras familias, como Guarneri, Matías Klotz, Bartolomeo Cristofori y quizá Antonio Stradivari.

Música vocal religiosa en el renacimiento
Danzas renacentistas
Instrumentos renacentistas
Musica vocal profana renacentista en España

CARACTERÍSTICAS PRINCIPALES DE LA MÚSICA RENACENTISTA

• Se desarrolla la polifonía (contrapunto imitativo).
• Desarrollo de la música profana.
• Se sustituyen progresivamente las voces por instrumentos.(Favorece a la música instrumental,que también acompaña a la danza).
• Se amplía el campo de  acción de la interpretación musical(templos,universidades,cortes...).
• El músico adquiere importancia social.
•  Las características estilístas de la música renacentista son:

Textura polifonica que rige las leyes del contrapunto,y está regida por el sistema modal heredado del canto gregoriano.

Las formas musicales del renacimiento son:

-El género religioso:las formas litúrgicas más importantes fueron la misa y el motete.

-El género profano:basada en la polifonía vocal ejecutada por voces solistas.En España se cultivan el romance,la ensalada y el villancico.

-El género instrumental:nace de la sustitución de voces por instrumentos.

• Se sustituye el ritmo irregular. Debido a la complejidad que ha alcanzado la polifonía, los sistemas de notación tienen que desarrollarse en cuanto a la métrica, por ello se abandona totalmente el ritmo libre del gregoriano para establecer una música con medidas fijas, en la que las duraciones de los sonidos son absolutas.
• Se realizan cambios en la armonía. Los compositores van a empezar a introducir en sus obras voces a distancias de intervalos de tercera superpuestas. Esta práctica será el antecedente de los acordes de nuestro sistema tonal actual.

Algunos de los instrumentos musicales del renacimiento son el laúd,la viola de gamba y la vihuela.

TÉCNICAS DE COMPOSICIÓN DEL RENACIMIENTO

Técnica del  “Cantus firmus”: consiste en la utilización de  melodías ya existentes para la eleboración de la trama polifónica.

                  Esta técnica es muy utilizada por los compositores franco-flamencos para la elaboración de misas y motetes.

        -Técnica del contrapunto imitativo: consiste en la exposición de una breve melodía por una voz, que repite otra voz inmediatamente. Los restantes iran repitiendo una tras otra la misma melodía.

Mientras tanto las voces van tejiendo una enredada trama polifónica.

-Homofonía: textura acórdica, todas las voces o melodías de la composición entonan sonidos distintos con el mismo ritmo, pronunciando simultáneamente las mismas sílabas del texto.

     -Técnica de la variación: consiste en repetir varias voces la misma melodía pero cada vez con una variación o diferencia: del ritmo, de la melodía, de la armonía, de los instrumentos…

 Es utilizada sobre todo para la música instrumental.

OBRA DEL RENACIMIENTO

CONTEXTO SOCIAL, CULTURAL E HISTÓRICO DEL RENACIMIENTO

CONTEXTO HISTÓRICO

El renacimiento fue una etapa de profundos cambios sociales políticos económicos y de pensamiento, Se desarrolló desde el siglo XIV-XVI.

Se desarrolla una cultura urbana, se produce un ascenso de la burguesía, se desarrolla el mercantilismo, se buscan nuevas rutas comerciales debido a la caída de Constantinopla. Además, se forman grandes imperios coloniales y se producen desarrollos tecnológicos como la brújula, cartografía e instrumentos de navegación. El hombre es considerado centro de todas las cosas (antropocentrismo).

Se produce la reforma protestante y se debilita la autoridad de la iglesia católica.

Esquema del contexto histórico

CONTEXTO CULTURAL

El arte renacentista promovió la recuperación del arte de la antigüedad grecorromana. Junto a los temas religiosos, los pintores y los escultores se abrieron a nuevos temas profanos surgidos de la mitología clásica. Los artistas quisieron plasmar en sus obras la belleza ideal. El arte es antropocéntrico. 
La música: Fue el renacimiento el último periodo en el que la música se disfrutó de una posición tan importante dentro de la cultura. La música ya no se creaba e interpretaba exclusivamente en ambientes religiosos y por juglares populares, comienza a tocarse en academias y salones de la nobleza. Comenzaron a componerse obras para clave, organo, laud y toda clase de instrumentos de la época. Importantuisimo en el proceso de difusión musical fue la aparición de la imprenta (Johannes Gutenberg, 1440), siendo el venciano Petrucci el primero que publicó, en 1501 un libro de partituras.

  

CONTEXTO SOCIAL

Humanismo.

Movimiento intelectual desarrollado en Europa durante los siglos XIV y XV que, rompiendo las tradiciones escolásticas medievales y exaltando en su totalidad las cualidades propias de la naturaleza humana, pretendía descubrir al hombre y dar un sentido racional a la vida tomando como maestros a los clásicos griegos y latinos, cuyas obras exhumó y estudió con entusiasmo.

El Humanismo instaura una actitud que. sin cuestionar, en general, lo religioso, impone el reconocimiento de los derechos terrenales de los humanos;  como consecuencia de esta nueva mentalidad, los humanistas hablan de la dignidad del hombre, independizan, la nueva filosofía de la teología y desean que la razón actúe en zonas antes reservadas a la fe revelada.

Los más notables humanistas españoles fueron Elio Antonio de Nebrija, Hernán Nuñez, Vives y Francisco Sánchez de las Brozas "el Broncense". Pero el humanista del siglo XVI más influyente fué el holandes Erasmo de Rótterdam. Los humanistas italianos más destacados fueron, Paco de Mirandola, Dante Aligieri. Francisco Petrarca y Juan Bocaccio. Chrysoloras era griego, Juan Ruchlin alemán. Desiderio Erasmo de los Paises Bajos y Tomás Moro Inglés.